LA CAMPANA DEL INFIERNO / Claudio Guerín Hill, 1973

Nos remontamos al año 1973. Santiago Moncada, quien ya había firmado el guión de “La corrupción de Chris Miller” el pasado año (una especie de giallo a la española, y mas adelante redactaría el de “Descanse en piezas”) escribió el guión de este ejercicio truculento de suspense y venganza. Y lamentablemente, nos encontramos ante un film maldito. Un film, con una historia negra tras él. El encargado de la dirección, Claudio Guerín Hill, falleció en la parte final del rodaje al precipitarse desde el campanario de la iglesia de San Martiño en el pueblo de Noya (La Coruña). Un suceso nada claro. Este había sido muy amigo y compañero en época de estudiante de Pilar Miró, y en alguna que otra parte, se ha hablado incluso de suicidio. El encargado de finalizar el rodaje fue Juan Antonio Bardem.

“La campana del infierno” no es una película de terror, más bien un drama macabro y truculento. Pero encontraremos grandes momentos de atmósfera terrorífica, desde las bromas del maquiavélico protagonista, como ese regreso desde el más allá de unas jóvenes ahogadas o de esa sangrienta extracción de unos ojos, hasta su clímax final en el sótano-matadero al más puro estilo “La matanza de Texas”. Sin duda, uno de los mejores y más destacables momentos de la película, junto al de la visita de Viveca Lindfors a unos enjambres de abejas. Lo sorprendente de “La campana del infierno”, son precisamente sus altibajos. Cómo puede tener momentos tan conseguidos y logrados, tan cuidados hasta el más mínimo detalle, escenas que consiguen de lejos lo pretendido, y no obstante, encontrarnos luego partes de la película realmente bochornosas. Como por ejemplo, la escena inicial en el matadero, con una cámara recreándose (con zooms incluidos) hasta la saciedad con las vísceras de los animales. O esa reyerta con los violadores, digna del realizador de cine de acción mas cutre de los setenta, que no de alguien que estudió en la Escuela de Cine de Madrid junto a Pilar Miró y Elías Querejeta. Pero el resultado, en conjunto, es más bien satisfactorio, sabiendo mantener un equilibrio entre diferentes estilos y fusionando varios géneros para acabar siendo un buen ejercicio de suspense. Y todo ello, contando con un elenco estupendo donde destacar a Viveca Lindfors y Alfredo Mayo (puede que solo discutible su protagonista). Y de unas localizaciones idóneas para la película(1), a la vez que hermosas y inquietantes.
Sin duda, una película a rescatar y a ser tenida más en cuenta. Y no solo para los degustadores de rarezas y de arqueología cinéfila.

1- En la película destacan preciosos paisajes y arquitectura gallega. Filmada en Betanzos, La Coruña, Padrón, Noya, Galapagar y Madrid.

THE LAST WINTER / Larry Fessenden, 2006

Magistral, sorprendente, inquietante, terrorífica...

Magistral, mas que nada, por el hecho de ser toda una buena muestra de buen hacer cine. Pero lejos, como no, de todas las pautas de las majors, tal y como se espera de cualquier independiente de pies a cabeza que se precie. Y ese es Larry Fessenden, un tipo que siempre a trabajado a caballo entre el fantástico y el terror, y que nos brinda aquí una reflexión sobre el cambio climático. Rodada en los inhóspitos parajes de Alaska y Islandia. Contando con la excelente interpretación, de un sorprendente Ron Perlman.
Sorprendente. Lo es al tratar un tema tan peliagudo y preocupante como es el cambio climático de una manera tan visceral y desgarradora. No se anda con preámbulos al buscar el culpable, y ahorrándose cualquier discursito moral e inútil a estas alturas. Sorprendente, la forma de abordarlo. Pues lo hace contándonos una historia de relaciones humanas con toques fantásticos. Pero alternando entre el cine de terror y el documental. Solo que puede que sea un documental sobre, y dirigido a la mismísima piedra rodante que aguanta las catástrofes a la que la sometemos. El hombre: un virus. La Tierra: la víctima que nos soporta y que debe defenderse de una u otra forma.
Inquietante. La cinta juega con un suspense digno del Carpenter de “La cosa” o el “Alien” de Ridley Scott. Con un grupo totalmente aislado en un paraje aislado por la nieve, con la diferencia de que aquí, la amenaza no es de un origen tan desconocido, y de que los mismos componentes del grupo, pueden llegar a ser tan o más peligrosos que la amenaza que los acecha. Y la criatura que irá atrapándoles uno por uno, no es en absoluto algo físico o palpable y nos iremos preguntando hasta que punto es real, o si tan solo es imaginario.
Terrorífica. Una amenaza terrorífica se cierne sobre la humanidad, pero esta no proviene ni del espacio, ni es un engendro de laboratorio, o una horda de zombies caníbales. La amenaza está presente tanto en la mente de los protagonistas, como en la del mismo espectador. No esperéis ver a algún vampiro, hombre lobo o monstruo lovecraftiano, lo que veréis son monstruos reales. Y en este caso no os encontrareis con ninguna Jaime Lee Curtis jamona y chillona, aquí os encontrareis a una reina del grito bastante especial. De nombre, La Tierra. Y otro tipo de monstruos, aún mas terroríficos, los cuales lamentablemente, podréis encontrarlos más cerca de lo que creéis. Estos últimos, mortalmente destructores.

Trampa para turistas / Tourist Trap / David Schmoeller, 1979

Trampa para turistas es una interesante mezcla de las modas de aquella época. Un aporte más al estilo que sería dominante dentro del género del terror en los primeros ochenta, el slasher, y podría considerarse también, parte del grupo de películas que comprenden desde “Carrie” de Brian de Palma, pasando por “Ojos” de Irvin Kerschner, “La furia” también de De Palma hasta la explosiva “Scanners” de Cronenberg, dedicadas a los poderes telequinéticos.

No menos interesante es la factura del film, teniendo sobretodo en cuenta que no se le ha dado la relevancia que se merecería junto a otros productos de recuento de cadáveres, siendo esta muy correcta y práctica, logrando con éxito muchos de los propósitos de la película con una efectiva sencillez muy loable. Sin andarse con muchas florituras, Schmoeller nos narra una historia de lo más manida: -grupo de jóvenes promiscuos incurren en un paraje de la América profunda donde un psicópata les dará matarile-. Partida totalmente afiliada al “American Gothic”, pero que en esta ocasión se nos dibujará con algunos toques del cine italiano fantástico, y con bastantes referencias a algunos de los grandes clásicos del cine de terror, como por ejemplo “Psicosis” o “Los crímenes del museo de cera”.

Schmoeller, hace buen uso de aquella máxima que dice que lo mejor es crear atmósfera y no recurrir al susto fácil o al impacto con grandes subidas de volumen. Y para crearla, podemos encontrar en “Trampa para turistas” un trabajo de ambientación repleto de inquietantes maniquíes (vivientes), que podría recordarnos a algunos de esos turbadores trabajos de Mario Bava como “El diablo se lleva a los muertos” o “Seis mujeres para el asesino”, obra del director artístico Robert A. Burns, el mismo que consiguió ese pútrido ambiente para la celebre “La matanza de Texas” del mediocre Tobe Hooper. A ello se le une la música de Pino Donnagio y un buen trabajo en lo referente a las situaciones narradas y en los personajes, pues son perfectamente creíbles. Sobretodo el del personaje interpretado por Chuck Connors.

Y realmente la película sabe mantener ese ritmo constante hasta su final, sin pretender caer en demasiados excesos o tópicos. Aparte de Chuck Connors, también podemos destacar la presencia de la bellísima Tanya Roberts, futura “Angel de Charlie”. Y en labores de montaje, al especialista en casposidades Ted Nicolau, y de producción la de Charles Band, con quien mas adelante el director de la película que nos ocupa realizaría la exitosa “Puppet Master”. En definitiva, si no la conocen, una buena película a descubrir. Háganlo antes de que se la chafen con algún remake…

Let´s Scare Jessica to Death / John D. Hancock, 1971

Nos encontramos ante un filme que podría ubicarse perfectamente entre aquellos títulos de cine fantástico influenciados por el ambiente que se vivía en los Estados Unidos en los revueltos setenta, sobretodo por el conflicto del Vietnam. En aquellos tiempos en los que hubo tanto movimiento contracultural, y muchos buscaban una huida de las grandes urbes para encontrar un modo de vida más enriquecedor espiritualmente en zonas ubicadas en parajes rurales. Como los protagonistas de Let´s scare Jessica to death, que inician esta aventura huyendo de Nueva York.

Y la protagonista, Jessica (Zohra Lampert), se encuentra huyendo además del traumático estado en el que se encontró tras la muerte de su padre. Un estado mental que por lo que vemos en los primeros minutos de la película la dejó sumida en una profunda depresión, con algún brote cercano a la esquizofrenia y con una enorme obsesión por la muerte que la llevó a un ingreso en un psiquiátrico. Pero no se trata de una obsesión fóbica, es mas bien una fascinación - la vemos sacando copias de lápidas con carboncillo y papel de calco para colgarlas en las paredes de su habitación, leyendo luego los epitafios completamente fascinada-. Fascinación del todo cercana, podríamos decir por ejemplo, a la del universo de Edgar Allan Poe.

Jessica, su marido (Barton Heyman), y un amigo que les acompaña, Woody (Kevin O´Connor), se instalan en una casa vieja de estilo colonial en Connecticut. En la casa encuentran a una bella y misteriosa hippie viviendo de okupa, Emily ( Mariclare Costello), con la cual enseguida confraternizan e invitan a vivir con ellos. El paraje idílico que buscan, el cual debería ser, y no solo para la desamparada y frágil Jessica, un placido y reconfortante lugar de descanso y evasión, se convierte en un lugar pesadillesco repleto de fenómenos extraños. La visita a un anticuario, les revela una vieja leyenda cuyo origen reside en su nuevo hogar. Jessica empieza a ver a una extraña muchacha vagando por los campos cercanos a la casa, y en el pueblo se encuentran con unos habitantes - todos varones- inquietantes y hostiles.

Todo ello acaba convirtiéndose en un infierno para la frágil Jessica, quien mientras ve como se desmorona su nuevo hogar, sufrirá en su interior el debate de si todo lo que ocurre es fruto de su mente o si realmente se encuentran en un pueblo repleto de muertos vivientes. Pero no nos encontramos ante el tipo de producto de terror en el que el componente fantástico se centra en el tramposo debate de alguien con problemas emocionales sin saber si sus visiones son ciertas o falsas. Let´s Scare Jessica to Death es una historia de horror puro y duro desde el principio hasta el final. El ambiente que impera en todo el filme es malsano y pesadillesco. De acuerdo que la voz en off de nuestra protagonista desde el principio de la película y durante todo el metraje nos da evidencias de sobra para dudar de su salud mental, pero el resto del conjunto nos ofrece muchos elementos terroríficos físicos, como iremos descubriendo durante el metraje y no conviene desvelar.

Es una película donde la muerte está presente por todas partes, además de las aficiones por las lápidas de Jessica, los protagonistas viajan en un coche fúnebre -es más barato que una station vagon, afirma el marido-, la casa en la que se instalan está repleta de viejas fotografías perturbadoras - Jessica, en algunos momentos, parece percibir la presencia y escuchar a los espíritus de las personas fotografiadas en esos retratos de principios de siglo-, así como de sombras y de una funda de contrabajo sospechosamente similar a un ataúd gobernando la entrada de la casa. La banda sonora de Let,s Scare Jessica to Death, acompaña a todos esos matices y texturas asfixiantes de la película, con unas melodías en ocasiones turbadoras y pesadillescas. Un conjunto fantasmal, con momentos tan brillantes como cuando emerge del lago el personaje de Emily en una escena que desprende un magnífico aire de vampirismo gótico, los inquietantes y temibles habitantes del pueblo que parecen extraídos de algún episodio de The Twilight Zone o las apariciones de la misteriosa muchacha silenciosa que parece querer advertir a Jessica de los peligros que la acechan, convierten al film de Hancock en una de las mejores películas de terror de esa época. Una película de atmósferas sobrecogedoras, donde el horror se transmite más en forma de sensaciones, pero un filme imprescindible para el aficionado al género. Y no es ninguna exageración.

Hostel 2 / Hostel: part II / Eli Roth 2007

Roth se limita a realizar un simple remake. Y un remake donde se repiten multitud de situaciones de la anterior. Incluso se repiten personajes, totalmente innecesarios y puede que repita hasta casi los mismos fallos que tenía “Hostel”. Lo mismo podemos decir de los diálogos absurdos, de aquella confusa idea de Europa que reinaba en la primera y las mismas actitudes misóginas (si es que hasta se repite el guiño a su padrino Tarantino con lo de “Pulp Fiction” en un televisor). Lo que tampoco encontramos en esta secuela, es capacidad alguna por parte de Roth de llegar a crear algún momento de dramatismo, profundidad o ambientación alguna. Eso si, filigranas con la cámara (movimientos y cámaras lentas que no vienen a cuento) sin ton ni son, eso si que lo hace. El problema es que lo hace hasta el aburrimiento. Incluso se vislumbra un intento torpón de intentar crear una comparativa espejo entre los asesinos y las victimas. Torpe, sin conseguirlo y que solo se salva por lo atractivo de la idea de esos millonarios viciosos clientes del Hostal, que el muy despistado de Roth, no nos ofreció en la primera parte. Y es realmente buena la situación de las pujas de los millonarios por las victimas. Intencionado o no, sí sabe conseguir una buena trama en ese aspecto y resolverlo con un final delirante que casa bastante bien con la historia planteada. Aparte de hacer un buen muestrario de asesinos, donde tenemos a una Bathory en plena ceremonia sangrienta y a un Ruggero Deodato haciendo un cameo canibalesco. Y varios son los homenajes al cine italiano de los setenta, como el de Luc Merenda (Torso, violencia carnal). Otra gloria italiana que aparece en la cinta es la guapísima Edwige Fenech (gran mito erótico). Que la película en conjunto entretiene y es amena, pues si. Pero no se puede romper esa lanza cuando es el segundo intento de explicar esa misma historia, solo, para volver a ofrecer un producto plano, vacío, mediocre y tremendamente comercial. Hostel 2 solo puede ofrecer eso. Entretenimiento y alguna delicia gore por parte de Nicotero y Berger. Pero por desgracia (ya que con el argumento de Hostel podría hacerse un buen homenaje), por muy fan y admirador que Roth sea del cine de terror de los setenta, parece ser que poco a aprendido de este.

Santa Sangre / Alejandro Jodorowsky 1989

Poeta, escritor, actor, director de cine, mago, psichochaman. De joven fundó junto a Fernando Arrabal y Roland Topor en Chile “El movimiento Pánico”:
-"Entonces queríamos reírnos de la filosofía francesa, tan seria, aunque ahora, tal como está el mundo, deberíamos reírnos de la filosofía mundial, que no ha servido de nada"- sostiene el propio Jodorowsky. Mimo, aparte de crear el teatro de mimos y realizar obras en el Teatro Experimental de la Universidad de Chile en los 50, mas tarde forma parte durante muchos años de la compañía teatral del aclamado Marcel Marceau. Guionista de infinidad de comics, en colaboración con dibujantes como Moebius. Entre sus colaboraciones en el mundo de la historieta destacan “El Incal” o una adaptación de “Dune”. De la cual estuvo a punto de florecer una interesante adaptación cinematográfica dirigida por el mismo Jodorowsky, contando también con Salvador Dalí interpretando el papel del emperador de la galaxia, H.R. Giger y el mismísimo Orson Welles. Les recomiendo indagar sobre como se puso en contacto con esos artistas.

Jodorowsky empezó a hacer cine allá por los setenta en México, donde realizó obras como “Fando y Liz” o “El topo”. Con esta ultima se llevó a la critica especializada al bolsillo, aunque no ocurre lo mismo con el público, con quien no acabó de cuajar este western psicodélico. No sería hasta 1989 cuando se embarca en el rodaje de “Santa sangre”, escribiendo el guión mano a mano con Claudio Argento, hermano de Dario, quien también se encarga de la producción.

-“Si la severidad era la base de la educación que yo debía recibir, por ser hombre y no mujer, mi madre se esmeró en aplicarla"- Jodorowsky.

Sin duda, “Santa sangre”, aparte de contener todas esas obsesiones chamánicas y artísticas que caracterizan a Jodorowsky, la podríamos resumir como una fábula sobre el despertar de un niño sometido a un estricto control materno al mundo real, en el que deberá encontrarse a sí mismo. A ese niño nos lo presenta criándose en un circo, rodeado de payasos (a estos nos los muestra comportándose como payasos dentro y fuera de las funciones. En ningún momento dejan el maquillaje, las ropas o sus bromas y piruetas), de músicos que van interpretando musicalmente cualquier suceso ocurrido en ese circo (y toda la banda sonora del film consiste en canciones o cumbias mexicanas). A un padre, amo y señor del circo, lanzador de cuchillos y el que desencadenará la desgracia que conducirá a ese niño a dar con sus huesos en un psiquiátrico, ante la aparición del inquietante personaje de “la mujer tatuada” ( Thelma Tixou). Una sensual y maciza hembra que arrastrará al padre de nuestro protagonista (entre danzas y contoneos culebriles) al adulterio, desencadenando la ira de la madre del chaval (una trapecista y sacerdotisa de una secta, en la cual adoran a una virgen que perdió los brazos en una violación), en una espléndida escena violenta y con toques gore exquisitos, siendo testigo de ello el niño. Para plasmar ese mundo circense, Jodorowsky nos brinda espectaculares escenas como la del entierro del elefante. Ese tipo de escenas que desprenden tal dramatismo que se te quedan grabadas de por vida. Y todo ello es narrado pausadamente, y con un aire onírico desgarrador.

El pequeño Fénix se hace mayor. A partir de aquí nos encontramos con un extraño film de terror con varios toques o cruces de géneros y atmósfera, algunos referenciales, otros no. Pero eso si, mágicos. Desde los números de ventriloquia, magia o esa representación del clásico de la Universal The invisible man, hasta aquella figura materna sin brazos y dominante del final, a la cual le acaba prestando sus brazos. Recalcar también la inquietante escena del cementerio o aquellos chicos con síndrome de down engatusados por el macarra. La recreación lírica de los suburbios y barrios de putas y mangantes. El estado en que se encuentra Fénix en el psiquiátrico en el periodo que se queda sin madre, como si hubiera perdido cualquier conexión con la humanidad, y se encontrara en un estado salvaje y primitivo. Y todo ello, dentro de lo que es una historia sencilla y muchas veces contada. Pues el argumento es bien simple. Una vez llegado el final, uno se da cuenta de que la fuerza de la película reside en las pinceladas con que está creada la obra, los colores, los pequeños detalles, mas que la imagen que recrea. Y insisto, detalles de esos que quedan grabados en nuestras mentes durante tiempo. Algo similar a admirar un cuadro. O una obra maestra ¿Y es que hay alguien que no la considere como tal?

Crimen en la noche / Dead of Night / Deathdream / Bob Clark 1974

Una mujer desea fervientemente que su hijo que falleció en Vietnam, regrese a la vida. Al regresar al hogar, su conducta es rara, se lo ve muy compungido, distante y abstraído. Andy no come, no quiere que los demas sepan de su regreso y se pasa todo el dia meciéndose en la butaca de su habitación o en el patio… lo malo es que necesita sangre para sobrevivir. Cruel y demoledora metáfora sobre la guerra del Vietnam y las consecuencias en los soldados que estuvieron alli: Andy se ha convertido en un ser antisocial y agresivo que necesita sangre para seguir ‘viviendo’.

Richard Nixon, el 3 de noviembre de 1969, en pleno discurso, llamó “silent majority” a aquellos americanos que mantuvieron el orden durante el conflicto del Vietnam, los que no protestaron por la guerra, que no exhibían actitudes antipatrióticas y que vamos, no se unieron a movimientos contraculturales ni se hicieron hippies. En una de las primeras escenas de la película, vemos a una familia cenando. El padre, la madre y una hija. La madre le dice a su hija que busque a un hombre, como futuro marido, que sepa cortar el rosbith como Dios manda. Toda una muestra de la familia media americana que cumple con su deber y paga sus impuestos, lo que se conoce como una familia en una “smalltown”. Pero la madre (una espléndida, Lynn Carlin) pronto empieza a mencionar a Andy sin cesar. Intuimos que algo falla, tal y como demuestra el intercambio de miradas entre el padre (un estupendo John Marley) y la hija (Anya Ormsby). Pues en esa mesa falta el otro hijo, Andy, que se alistó como soldado y fue mandado al frente.

Por otra parte, hacía pocos años que se derrumbaba el llamado “verano del amor”, que los hippies iniciaron en San Francisco en 1967, y terminaría con sucesos como el del concierto de los The Rolling Stones en Altamont. Los hechos ocurridos en ese concierto fueron que las drogas, el alcohol y el asesinato de un joven negro de 18 años, Meredith Hunter, a manos de un componente de la banda de moteros “Los Ángeles del Infierno”, quienes se encargaban de la seguridad, acabarían en un desastre total. Más adelante, la secta de Charles Manson llevaría a cabo el asesinato de Sharon Tate. Y el LSD y la heroína harían el resto ¿El resultado? Pues que los “hippies” ya no caían simpáticos. La guerra del Vietnam se iba cobrando la vida de muchos jóvenes norteamericanos. Y muchos de los que volvían, lo hacían con múltiples desequilibrios, tanto de shock post-traumático, como de desdoblamiento de personalidad. Y por si fuera poco, unos USA dividido en dos. Unos en contra de esa estúpida guerra y otros, una mayoría silente. Solo pocos patriotas, la mayoría veteranos de la segunda gran guerra, simpatizaban con los pobres soldados. En la película lo vemos reflejado en el personaje del cartero que se pone a contar batallitas cuando el padre, todo orgulloso, le presenta a su hijo recién llegado.

Ello, lo mostrarían otros films más adelante de una forma más directa. Como “El Cazador” (The deer hunter; Michael Cimino, 1978), o el primer Rambo “Acorralado”. Los soldados que regresaron del Vietnam tuvieron muchas dificultades de integración. Y en este film, Bob Clark ahonda y denuncia con bastante astucia (ya que en esos momentos tan tensos, socialmente hablando, las críticas en el cine se hacían de manera cautelosa y, camufladas como en este caso, en una “peli de terror”) en varios de estos asuntos y la situación social de aquel momento. No es quizás entonces algo casual, que la hermana del “regresado”, grite y pida ayuda con un cartel de la película “The Deathmaster” (Ray Danton, 1972) justo detrás suyo. Puede que de una forma alegórica (la citada película surge cuando los hippies ya no eran bien vistos), queriendo decir que las guerras solo sirven para destruir, pues es el momento justo en que empieza el clímax final en el que todo dejará de ser “como antes” para siempre en su entorno familiar.

El papel de Andy, el hijo regresado de la guerra, es llevado de forma muy convincente por Richard Backus. Su rostro inquietante, inexpresivo, hermético, sin mostrar sentimiento y sensación alguna está muy logrado. Vamos, lo que es un muerto viviente. Y protagonista durante la mayor parte de la película sentado en una mecedora, encuadrada entre sombras en primer plano en la profundidad los que le visitan en su habitación. Una táctica muy inquietante y resultona. Y añadir que mientras hablan con él, cuando le nombran algo que le importa de verdad, no muestra reacción alguna. Simplemente detiene la mecedora.

VIRUS CANIBAL / Anthony M. Dawson (Antonio Margheriti), 1980

Norman Hooper es un excombatiente de la guerra de Vietnam. En el se despiertan horribles instintos homicidas. Ingresado en un hospital psiquiátrico, se encuentra con el resto de sus compañeros de Vietnam. Tras fugarse del hospital, siembran el pánico por toda la ciudad perpetrando actos de canibalismo.

Antonio Margheriti es un nombre de gran relevancia en el cine fantástico italiano, de la generación de Bava y Ricardo Freda, pese a todo su trabajo, un gran olvidado. Introdujo la ciencia ficción en Italia con "Space men"(1960), trabajó en todos los subgéneros, desde el peplum hasta el western, y en el campo del terror nos brindó joyas como "El justiciero rojo" (La vergine di Norimberga 1963), La danza macabra" (Castel of blood 1964), "Crimen en la residencia" (Nude si muore 1968)". Exploits como "Voracidad" (Killer fish 1979) "Aliens del abismo" (Alien degli abissi 1989), sin olvidar sus colaboraciones con Andy Warhol en las que no aparece acreditado, pero que él supervisó en todo momento.

El título que nos toca, firmado bajo su conocidísimo pseudónimo Anthony M. Dawson (pseudónimo obligado para cualquier italiano que se precie, exigido por los productores para poder distribuir los films mas allá del Mediterráneo) era evidentemente una explotación. Concebida tras el éxito de "Zombie" (Dawn of the dead 1978) de George A. Romero, y del de la moda caníbal en pleno tour de force entre Umberto Lenzi y Ruggero Deodato, que venían pegando fuerte con "Holocausto caníbal" y "Comidos vivos" desde esa variante del mondo iniciado por Lenzi con "El país del sexo salvaje". Pero curiosamente podemos observar en ella alguna influencia de éxitos como "El cazador" (The deer hunter 1978) de Michael Cimino, en ese planteamiento de el regreso a casa y su lectura antimilitarista, aunque no nos engañemos, que la cosa tiene bastante de la excelente cinta de Bob Clark "Crimen en la noche".

De todas formas esa fusión le aporta cierto interés y un marco argumental que alejan a la película de otras exploits. El responsable del guión es otra celebridad italiana en el campo del terror, Dardano Sacchetti, en colaboración con el propio Margheriti y la producción corre a cargo del controvertido José Frade producciones cinematográficas junto a Edmondo Amati, Maurizio Amati y Sandro Amati. La cosa requería una absoluta ambientación americana, y para ello contaron con John Saxon como protagonista, aparte de varios secundarios, y rodando la película en los USA. Lo cierto esque la cosa realmente llega a parecer toda una B movie americana. La hábil mano de Margheriti nos ofrece una estupenda cinta de acción, con un buen ritmo y un giro argumental sorprendente. Desde su estupendo prólogo en plena batalla en la jungla, seguido de ese cerco policial, moteros y todo el despliegue de efectos especiales gore, que van desde mordiscos, una lengua arrancada, un boquete en un estomago y un sinfín de delicias sanguinolentas creadas por Bob Shelley. En el resto del reparto tenemos a Elizabeth Turner ("The psychic" Lucio Fulci) y Ramiro Oliveros. Otro de los interpretes es Giovanni Lombardo Radice, visto en otra canibalada como "Caníbal feroz" o en la fulciana "Miedo en la ciudad de los muertos vivientes", interpretando en la película a un tipo llamado Charles Bukowsky (como el autor de "La máquina de follar"), quizás un pequeño guiño contracultural dentro de todo ese trasfondo antibelicista del film, que por suerte no aflora demasiado dentro de lo que es un mas que correcto y divertido argumento al mas puro estilo serie B a la italiana.

El visionado de la película hoy en dia sigue siendo de lo mas delicioso, y es un plato indispensable para cualquier amante del fantástico de esa época y condición. Como curiosidades, encontramos que el filme goza de infinitos títulos (ver en etiquetas), como era habitual en las estratagemas comerciales en estos tipos de películas exploit. Y que este es uno de los títulos favoritos de Quentin tarantino.

Portada del próximo libro "Cádiz oculto. Historias gaditanas para no dormir". Lo próximo de José Manuel Serrano Cueto.

Ediciones Mayi de Cádiz publica el próximo libro de José Manuel Serrano Cueto, Cádiz oculto. Historias gaditanas para no dormir, que no tiene nada que ver con el cine, aunque salpique las páginas de vez en cuando, ya desde el prólogo de Paco Plaza. Casas encantadas, el hombre-pez de Liérganes, el gigante Gerión, los túneles subterráneos, lluvias insólitas, la niña momia, el cráter de la bahía, el asesinato de Juan Paez, el milagro del maremoto y muchos otros temas relacionados con la ciudad de Cádiz. Fantasmas, alienígenas, monstruos, enigmas diversos de la capital gaditana, aunque también se hace un recorrido por la provincia. Misterios de una ciudad trimilenaria.

Fuente: http://conlavozrota.blogspot.com/

¡¡‘CLASS OF NUKE ‘EM HIGH PART IV’ (Mutantes en la universidad 4) LLEVA A SUS MICRO-PRODUCTORES A NUEVA YORK!!

El crowdfunding que se está llevando a cabo desde principios de octubre en internet para ayudar a financiar 'Class of Nuke 'Em High IV', la cuarta entrega de la famosa saga de Troma Ent, anuncia un jugoso sorteo entre todos aquellos que contribuyan económicamente al proyecto entre el 25 de octubre y el 25 de diciembre de 2011.
Se trata nada más y nada menos que de un viaje a Nueva York, con visita al Troma Building incluída y la posibilidad de conocer al mismísimo Lloyd Kaufman en persona.
El crowdfunding de 'Class of Nuke 'Em High IV' se encuentra alojado en la plataforma de financiación audiovisual Kifund en http://www.kifund.com/es/project/class-of-nuke-em-high-iv y todo el que lo desee puede apoyar el proyecto a partir de 10€. Además, existen hasta 8 opciones distintas de apoyo económico, todas ellas con fantásticas recompensas totalmente exclusivas como camisetas, posters y libros que no estarán disponibles una vez finalice el crowdfunding y las posibilidades de visitar el set de rodaje del film, actuar en la película, conseguir props ¡y hasta “ser asesinado” en 'Class of Nuke 'Em High IV'!
'Class of Nuke 'Em High IV' está producida por Mushnik's Entertainment en colaboración con Chaparra Entertainment, ambas de Barcelona, para Troma Entertainment, Inc. (Nueva York). Está previsto que 'Class of Nuke 'Em High Part IV' se filme en Barcelona y alrededores hacia verano de 2012.
Para contribuir a la realización de 'Class of Nuke 'Em High Part IV' y participar en el sorteo del viaje a Nueva York, por favor visitar http://www.kifund.com/es/project/class-of-nuke-em-high-iv
Para más información: mushniksent@gmail.com

A l´interieur / Alexandre Bustillo, Julien Maury, 2007

Alexandre Bustillo y Julien Maury. Hicieron correr rios de tinta con este, su primer film en el 2007. Y también consiguieron hacerse un buen hueco dentro de la historia en el cine de terror Francés. Pues sin ninguna duda, ésta, su primera película, es ya uno de los títulos mas importantes de la década. Y no solo eso, su película A L' Interieur, es también toda una feroz y refrescante apuesta, novedosa y transgresora, arriesgada y astuta, dejando en bragas al ostracismo cinematográfico que nos viene llegando desde los USA. Ese que pide a gritos un cambio radical e inminente.
Y este cambio nos llegó desde Francia con este magistral ejercicio de horror. Y A l´interieur consigue además romper una lanza a favor de un género menospreciado por critica y público desde hace años, un género marginado y condenado a ser siempre tachado de vacío, cutre y sin contenido: el gore. Éste está presente en todo el film, desde su descarnada introducción, hasta su salvaje final, y aviso, no apto para espectadores sensibles y premamás.
Pero lo mejor de la película, es que toda esa hemoglobina va ligada a una historia profunda, una excelente fotografía, magistrales interpretaciones (sobretodo la de Béatrice Dalle como la villana de la película, una enigmática dama de negro), una intriga que pone los nervios de punta y un aire a giallo de impagable estilo. Todo ello en una historia muy, muy oscura: A una joven que lo ha perdido todo tras un accidente, lo único que le queda para querer seguir adelante, es el retoño al que está a punto de dar a luz. Una mujer se introduce en su domicilio para robárselo de las entrañas. Y con esta simple historia, los responsables del film consiguen con gran habilidad que nos llegue como un cuento de horror moderno, oscuro, gótico y macabro. Gracias a una estupenda ambientación y a un cuadro final que pone la carne de gallina, aunque este sea de una gran belleza, macabra pero bella.
Aunque yo, un simple y triste barón, no puedo añadir nada mas a esta reseña. Ya que esta película va dirigida, está protagonizada, y trata, sobre mujeres. Y no vean ustedes, como se ponen estas, cuando están de mala leche

Halloween 2, Rob Zombie, 2009

Por mucho que les pese a algunos, Rob Zombie es algo más que otro realizador de productos terroríficos sin mas. Rob Zombie es todo un artesano muy cercano a la autoria. Y lo ha conseguido al facturar una serie de productos con marca de la casa. Pero una marca muy especial. Esta alberga todo un baúl lleno de nostálgicos homenajes y impregnaciones satánicas de lo más laveyanas. Una brutalidad como no la veíamos desde los productos del American Gothic de los setenta más viscerales. Una fusión de los clichés del genero con una estética tejida entre lo camp, el gótico, el feísmo y la decadencia de los paisajes underground USA, ya sean estos últimos localizables en la América más profunda o en los suburbios urbanos más decadentes. Y si algo destaca en esta segunda entrega, que no es más que otro remake de una hiper-explotada saga iniciada por un magistral filme del maestro John Carpenter, es el haber sabido desarrollar y explotar uno de los aspectos más profundos e interesantes del villano protagonista de la serie “Halloween“. Y sobretodo, llevarlo al universo Rob Zombie, y que con ello consiga una version nueva, fresca y de lo más interesante. Algo digno de mencion al encontrarnos en mitad de una plaga de remakes insustanciales. Hablamos de esa faceta del Myers sobrenatural. La que le convierte en algo más que un simple matarife armado con un chuchillo. Hablamos de esa forma de ver a Myers que ya proponía Loomis en las primeras entregas de la saga, la de que era algo más que un psicópata asesino, Myers es el mismísimo mal encarnado en hombre. Para ello Rob Zombie introduce las figuras de su madre (obligada participación de su esposa Sheri Moon en todos sus filmes) y el propio Michael de niño acompañando al asesino. Consiguiendo además con estas figuras, excelentes planos con mucha fuerza visual, a caballo entre lo gótico y la fantasía medieval.

Como rockero satánico que ha demostrado ser Rob Zombie, no faltan añadidos en ese retrato de Michael Myers que lo acerquen a una maldad diabólica cercana al satanismo. Aparte de la brutal escena donde el asesino atraviesa un pentáculo de Baphomet coronado con tres seises, también encontramos en todo el metraje un buen número de elementos que nos conectan completamente con la versión del satanismo según Anton Lavey. El Padre oscuro fundador de la Iglesia de Satán, tal y como dice Jesús Palacios (1), aunque no lo parezca, odiaba y despreciaba las más famosas películas que a primera vista puedan parecer las más satánicas como podrían ser “El exorcista” o “La profecía”. Y lo hacía sobretodo por considerarlas propaganda judeocristiana. Anton Lavey adoraba todos aquellos films que mostraban la naturaleza cruel y sanguinaria de las personas como “La jungla de asfalto” de John Huston o “Scarface” de Howard Hawks. Adoraba a H. G. Lewis y su gore, y películas como “La matanza de Texas” de Tobe Hooper. Máxima dentro de la cual encajarían a la perfección las primeras películas de Zombie. Y lo que Lavey consideraba también satánico, era todo lo que conocemos como vintage. Todo lo olvidado y menospreciado con el paso del tiempo, acumula un especial poder satánico. Los viejos seriales radiofónicos, las novelas pulp, los cortos de animación de Disney (como el que podemos ver en Halloween 2 en el televisor junto a unas escenas en las que aparecen los Moody Blues interpretando “Nights in White Satin”, consiguiendo momentos inquietantes), los filmes de Corman y Price, y un largo etc… del que parece que Rob Zombie hace gala en toda su filmografía. Y como decíamos al principio, Zombie acostumbra a ubicar sus historias en parajes completamente desoladores, como podemos comprobar en el filme que nos ocupa si contémplanos esos planos generales de casas junto a cadavéricos árboles despojados de su follaje, interiores oscuros, sucios y de cromáticas decadentes, pósters de Alice Cooper incluidos. Ello también lo podemos encontrar en toda la fauna de personajes que pueblan su universo, donde abundan individuos que parecen albergar oscuros pasados y vidas duras y atormentadas (lo que se suele conocer como Whithe trash). Amén de hacer gala de trastornos o tendencias sexuales tan enfermizas como el enfermero en la escena de la ambulancia, o esa sugerencia de la amiga de Laurie de practicar una lluvia dorada con un desconocido disfrazado de hombre lobo en la fiesta. Fiesta plagada de freaks y orquestada por el psichobilly del Capitán Clegg (banda formada por el propio Zombie para la ocasión). Y hablando de música, atención a un inquietante travelling mientras escuchamos el tema “Love hurts” de Nan Vernon, estupendo. No se olvida de incluir los habituales cameos, Margot Kidder, Howard Hesseman, Caroline Williams, junto a unos impecables protagonistas donde cabe hacer especial mención a Brad Dourif en su papel de Sheriff Brackett. Halloween 2 no es que sea del todo perfecta, pero lo mejor de todo es que Rob Zombie parece ser del todo consciente de cuales son sus limitaciones y que intenta pulirlas. Y en este Halloween 2, encontramos un buen ejemplo de ello al ser una película notable en todos los aspectos.

(1): El Demonio en el Cine, Máscara y espectáculo. Valdemar, 2007.

The Troll Hunter / Trolljegeren / André Øvredal, Noruega, 2010

El gobierno dice que no hay por qué preocuparse; solo se trata de unos osos creando problemas en las montañas y bosques de Noruega. Pero los cazadores de la región no están nada convencidos, como tampoco lo están tres universitarios decididos a descubrir la verdad. Armados con una cámara de vídeo, se lanzan tras la pista del misterioso “furtivo” que hace todo lo posible para evitarlos. Pero su persistencia se ve recompensada cuando dan con el objetivo: TROLLS. No tardan en empezar a rodar todo lo que hace este improbable héroe de pelo canoso, EL CAZADOR DE TROLLS, poniendo sus vidas en peligro para descubrir los secretos de unas criaturas que parecían existir únicamente en los cuentos de hadas.

André Øvredal se olvida por el camino que son tan importantes los efectos especiales y momentos de acción como el resto del conjunto. Y más tratando de realizar un Mockumentary (o Mofumental, como sería su traducción) donde el objetivo que se ha propuesto es el de crear un reportaje (cámara al hombro) donde fusiona la realidad y la fantasía de cuento de hadas infantil (y ahí es donde ha puesto el listón muy alto). Y recordemos que en un falso documental de estas características suele estar presente la idea de que asistimos en todo momento a una ficción, la cual juega a simular ser una realidad al hacer uso de todas las estrategias y formas del medio documental. El filme de André Øvredal aprueba con un notable alto el mayor reto técnico que suponía su película, la creación de las criaturas. Y con un presupuesto muy ajustado consigue unos resultados aceptables. Pero por el camino olvida que en un producto de este tipo, para conseguir ese punto de verosimilitud en el que el espectador puede terminar entrando en el juego sin que lo que aparece en la pantalla chirríe de forma escandalosa, y además incomoda, es conseguir todos esos equilibrios. Y el primer paso debería ser que los personajes no se limiten a hacer cosas de periodistas sin tener personalidad alguna ¿O acaso Félix Rodríguez de la Fuente o El cazador de cocodrilos no la tenían? El equipo al que seguimos con su cámara y el Troll Hunter sobre el que se filma el documental, carecen de toda personalidad, de diálogos o guión alguno que puedan otorgarle credibilidad al juego. Encima esas carencias nos llevan en muchos tramos al peligroso terreno del aburrimiento. El planteamiento de la idea original, la de que tras ese cazador de Trolls se esconde una conspiración secreta del gobierno también está mal aprovechada al no explotar toda la intriga que podría ofrecer. Y la pregunta que uno se formula, si tenemos en cuenta el tono gris y la foto sucia que impregna a todo el filme, es ¿No sería mejor olvidarse de tratamientos tipo falso documental para llevar a cabo esta historia, viendo los majestuosos y bellos paisajes de los que goza Noruega como escenario para este tipo de aventura?

AMAZING MASK CAPITULO 4

AMAZING MASK CAPITULO 3

AMAZING MASK CAPITULO 2

AMAZING MASK CAPITULO 1

Amazing Mask, El fabuloso luchador enmascarado

Amazing Mask, la serie, ya está disponible en la red. Aquí poderis ver los primeros capítulos. De momento os dejo un artículo y entrevista que hicimos hace algún tiempo en aullidos.com, con el cerebro de chaparra Entertaintment: Dani Moreno.

Queremos adentrarnos en el mundo de CHAPARRA ENTERTAINMENT, la empresa que es sin duda toda una fuente de entretenimiento dedicada al horror en todas sus formas. Podríamos decir, que promete ser nuestra Troma española. Cortometrajes con enmascarados mexicanos, alienígenas junto a nuestra querida Alaska, psicópatas, un gran pene mutante, fanzines, comics, y mucha, muchísima pasión por el género. Incluso una banda de Psycho-Billy con canciones con títulos como “La marca del hombre lobo” o “El terror no tiene forma” ¿No os parece fantástico? Mientras preparan su siguiente cortometraje “Embryoids”, el cual promete ser toda una locura gore mezcla entre “Critters” y el cine de Larry Cohen, hemos querido hablar con el responsable de toda esta locura (o sueño) hecha realidad. Dani Moreno, un enamorado del cine de terror, desde José Mojica Marins hasta el eterno Freddy Krueger:

¿Cuándo coges por primera vez una cámara?

Ui!... pues sería en el 89 cuando mi viejo compró esa videocámara (yo tenía nueve años). Era inmensa! No de las que se llevan al hombro, era una “handycam” pero que pesaba tres o cuatro quilos! La primera “película” fue “La Momia del Mar”, aburridísima!, era un constante plano subjetivo de la momia (con mi mano enrollada en papel de wáter!) persiguiendo a mi hermano y a mi padre por una playa. Un coñazo. Luego, ya en los 90 aprendí a usar los títulos de crédito de la cámara y empecé a grabar a discreción: “Kiokushinkay”(una de karate con Kamehameha i todo!), “COPS” (sobre polis anti droga), “SuperMario World”(¡!!), “TNT Kids” (un intento de Goonies megacutre), “Sombra Salvaje” (sobre hombres lobo alienígenas!), “Videozombis”... Quería hacer pelis de dos horas y nunca entendí porqué me salían tan cortitas!

¿Cuándo y como nace Chaparra Entertainment?

Podríamos decir que todo empezó con “Purulental Masticator” un corto grabado con mil pesetas! Era por el año 97... Estudiaba ilustración en la “Llotja” y empecé a conocer a gente con mis mismas inquietudes y/o transtornos... Publicábamos un Fanzine, el “Amazing Smokers” y tras grabar “Purulental...” creí lógico englobar todo aquello bajo un mismo “sello”. Una especie de “Troma” a la española (o ese era nuestro afán!). Después vino “Brutal Dogo”, “Calle Morgue”, “Scrim Bellotero Pop”... hicimos mogollón de mierda!!

Brutal Dogo fue un éxito demoledor…

Jjajaja! Yo no diría tanto! Verdaderamente para nosotros fue un significativo paso adelante, a nivel de plantear el rodaje, el numero de localizaciones, bastantes personajes... y la mayor cantidad de sangre que jamás había bombeado hasta la fecha! Es mala de cojones!... Pero si que es cierto que “Brutal Dogo” tuvo una mayor difusión que nuestros anteriores caspas; seleccionado en CineMad, el premio “Super Chicha Cutre” en La Marató de Cotxeres de Sans... Creo que aquello nos marcó un punto de inflexión... empezamos a tomárnoslo más en serio.
Con las cincuenta mil pelas del “chicha cutre” rodamos “Amazing Unmasked”, cuando nos las podríamos haber gastado en droga!

Llega "Amazing Unmasked". Creo que a partir del éxito de este corto se os abren algunas puertas.

Bueno, Amazing Unmasked tuvo la suerte de ganar un premio en Sitges y eso nos ayudó bastante a la hora de pedir la subvención para “Martians Go Home!”. Pero no creas, las puertas que se abrieron fueron las del manicómio! Porque fue una locura rodar “Martians...”! En “Amazing Unmasked” las cosas fueron más sencillas, todo el verano para rodarlo, con el mínimo equipo, dientes postizos, cuatro flexos, dos focos, cerveza y sangre de chocolate. Parece mentira, pero cuanto más dinero inviertes, más difícil es rodar un corto!

¿Te resultó difícil dirigir a estrellas como Alaska en “Martians go home?

Nooo! Alaska fue maravillosa en todo momento y creo que hubo química entre ella y todo el equipo de “Martians...” Solo me preocupaba no poder tratarla con la dignidad debida, o que pensara que aquello era muy cutre... Desde el principio ella estuvo consciente de que se había metido en un percal de serie Z y a ella le encanta ese tipo de cine! Fue una grata experiencia poder contar con ella.

¿Cómo conseguiste el sonido Theremin? ¡¡¿Fabricasteis uno??!!

Siiii!!! De hecho el Theremin lo fabricó mi hermano Jairo para la BSO de “Amazing Unmasked”. A partir de ahí, ese theremin casero me sugirió la idea motriz de “Martians Go Home!”; un joven que se fabrica un theremin y con él provoca una invasión marciana a gran escala! Para el sonido final del corto nos hicimos con un “Etherwave Pro”... El Theremin de Sara Clockwork debia sonar como el de la mismísima Clara Rockmore, la gran thereminista a quien homenajea el corto.

Te consideras un fanático total del terror de los ochenta, no obstante, tus últimos trabajos rebosan mucho estilo cincuentero…

Eso es cierto!, El rollo “Fifty” tal vez esté directamente relacionado con el presupuesto que tenga para rodar... me explico: La estética de los ochenta me fascina, sus colores, sus luces y sombras, sus movimientos de cámara, su sonido, sus tópicos... El terror de los ochenta no deja de ser una revisión del cine que se hacia en los años 50, pero con la estructura, el ritmo y la puesta en escena que marcaron en aquel momento directores como Craven, Landis (con un videoclip!) y sobretodo Spielberg como productor (ojo!). Grandes exponentes del cine fantástico de los ochenta como Zemeckis o Joe Dante fueron producidos por Spielberg!
Eso nos marca unas pautas a seguir si queremos realizar algún trabajo en esa línea: Travelings, grúas, buena fotografía y unos efectos especiales tradicionales pero efectivos. Para todo eso se necesita algo más que un presupuesto “amateur”! En cambio, el look de los años cincuenta da mucho pié al reciclaje, al efecto especial ultrabarato, el bellísimo blanco y negro que enmascara todo fallo... el hilo de nylon sustituyendo los animatronics! Es una cuestión de presupuesto!! Hay que intentar ser realista con las posibilidades a la hora de tirar adelante un proyecto... y para “El Ataque del Pene Mutante del Espacio” no teníamos ni un chavo!

“El ataque del pene mutante del espacio” ¿Cómo surge ese proyecto? ¿Fue difícil el trabajo en 3D?

“El Pene” era una idea que David Abellán y yo teníamos desde el año en que rodamos “Brutal Dogo”, allá por el 98... Al principio iba a ser una especie de parodia de Godzilla pero nos era muy difícil imaginar como recrear Tokio con una maqueta, los japoneses, la destrucción masiva... La cosa se salió de madre y acabó siendo la idea principal de una trilogía en la que aparecían travestís subacuaticos... total, que no me acuerdo de mucho más, (porque iríamos muy fumados ese día)! La cuestión es que después de “Martians...” tenia unas ganas inmensas de rodar un corto, y le propuse a David tirar adelante aquel loco proyecto perdido en el tiempo. Lo rodamos en el verano del 2007 y lo presentamos en Sitges ese mismo año. El detalle del “3D Penevisión” no es más que un “Gimmick”! Solo se aprecia bien en pantalla pequeñita. Me gustó la idea de que la gente se llevara un flyer en forma de gafitas 3D a casa. Además el rollo del 3D es muy “Fifty”, y coherente con el tono final del corto. Después te das cuenta que hay gente que no lo aprecia, las tiran o las rompen porque no ha sido una experiencia “Imax”! No lo acabo de entender... yo lo guardaría siempre! Los planos en “Stop Motion” si que fueron laboriosos porque usamos dos cámaras para el efecto 3D. Estuvieron a cargo de Monica Mansilla y fue una faena de dos semanas de plastilina mezclada con yogur natural!!

Participaste en el documental “Gritos de terror en el tren”.

Si, ese fue un encargo de un buen amigo y compañero, David García editor de la revista Monsterworld. Tenia un material muy interesante, una entrevista a Eugenio Martín, director del gran clásico “Pánico en el Transiberiano” sonde se explicaban anécdotas del rodaje y demás secretos de la producción de la película. David me sugirió que lo montara y le diera el “toque Chaparra” jajaja...
Creo que el resultado es cercano a lo que él estaba buscando como director... aún le tengo que pasar una versión con la imagen mejorada!!

Háblanos de vuestros próximos proyectos ¿Se llevará adelante la serie sobre Amazing Unmasked? Y creo que barajabais llevar a cabo también un largo.

El proyecto más cercano es un cortometraje en 35mm que se va a llamar “EMBRYOIDS” que tratará sobre unos fetos caníbales que invaden un hospital y se comen a las enfermeras y a todo el que se les pone a tiro. Posiblemente la protagonista será Diana Peñalver (el guión lo escribí pensando en todo momento en ella!) se lo he comentado y parece que le gusta la idea. Puede ser maravilloso! En principio rodamos en Mayo o Junio del 2009 (eso espero!)
La serie de “Amazing Mask” posiblemente la empiece a rodar después de “Embryoids” pero de momento será una serie en internet. Más o menos tengo ya un pequeño equipo de rodaje y los guiones los haré con David Muñoz, director de cortos como “El Despacho” o “Subtitled” y que ahora guioniza para “Buenafuente”.
Estamos empezando también una serie de episodios piloto en Stop Motion con Monica y en colaboración con la E.A.P. hay buenas ideas y el material es francamente interesante. “Moco s.a.” será el primero y cuando esté listo lo presentaremos al Cartoon Forum!
El tema largometraje es más peliagudo aunque quiero buscar un sistema para producir algo con infrapresupuestos desde CHAPARRA ENTERTAINMENT sin tener que contar con nadie para poner la pasta. De momento hay cuatro proyectos de este tipo en la cartera: “Ghoul” un thriller sobrenatural muy oscuro y repleto de gore, “WeelChair Murders” un alocado y sangriento “slasher”, “Brutal Trash” un largometraje inspirado en “Brutal Dogo” y otro largo con Naxo Fiol,(rey de los infrapresupuestos!) que se va a llamar “Loca Academia de Videoastas”.
Por otro lado está “ECTOPLASMA” un musical Psychobilly sobrenatural que creo que al final lo voy a escribir como cortometraje, lo mandaré a subvención y a tomar pol culo. Y por último “Attack of the Motorzombies” que seria la puta bomba pero no hay nadie en este país capaz de producirlo y posiblemente ni yo sea capaz de dirigirlo. No sé, creo que tengo trabajo para los próximos 100 años!!

¿Cómo ves el panorama del corto en España, tanto amateur como profesional? ¿Crees que se le dedican suficientes festivales, cobertura, distribución…?

Los cortos amateurs gozan hoy en día de un circuito de festivales amplio donde poder participar. También es cierto que gracias al HDV la calidad de los cortos cada vez es mayor y eso aumenta la competitividad de manera muy interesante. Un corto “amateur” hoy en día puede tener un look muy profesional, el resto depende del director y sus decisiones a la hora de escoger el plano, la iluminación... Vaya, que el termino amateur cada vez es más ambiguo en este aspecto. Esto se suma a la “cutrez” que Internet ha popularizado y que cada vez se acepta más como “opción estética”. Esto nos lleva a la conclusión de que es un buen momento para mover este tipo de trabajos. Por otro lado, los festivales de “Clase A” continúan siendo muy elitistas, es absurdo, pero el 35mm continua siendo una garantía a la hora de ser seleccionado en este tipo de festivales. Poco a poco todo esto va a cambiar, espero.

Hablemos de tus gustos:

Un referente fantástico
Ray Harryhausen

Un actor del fantástico imprescindible
Paul Naschy, (hay que barrer para casa...)

Una actriz
Barbara Crampton (... yum yum!!)

Un film de terror
Pesadilla en Elm Street (Las primeras 5!)

Una película a descubrir
“A Meianoite Levarei a tua Auma” de José Mojica Marins!
Otra más... “Conspirators of Pleasure” de Jan Svankmajer

Háblanos de vuestro primer fanzine “Amazing Smokers”.

Buuuffff! Era lo primero que hacíamos! Nuestra intención era que quien lo leyera acabara pensando “¿como puede existir gente tan depravada en el mundo?” y la verdad es que ahora los leo y les falta morbo y todo. Era lo que buscábamos en los noventa... el Diario “El Caso” había desaparecido, “Noticias del Mundo” también, Aznar en el gobierno, Paco Lobatón nos daba las buenas noches, “Gente” amenizaba nuestras partidas de “Duro” en el bar... La España profunda nos rodeaba de manera insidiosa y esa era nuestra forma de filtrar la realidad... La atrocidad es divertida! La muerte y el sexo chungo un buen chiste que contar. Parte de ese humor zafio sobrevivió en las páginas del Amazing Monsters.

“Amazing Monsters”. Un fanzine muy popular y cada vez más interesante.

Bueno, año tras año va tomando forma. Con “Amazing Smokers” queríamos reivindicar la fotocopia, el recorta y pega, el “handmade”... Decidimos rebautizarlo en el año 2000 como “AMAZING MONSTERS” y reivindicar el cine monstruoso con el que crecimos y el que queremos llevar a cabo, el Rock’n Roll y la nostalgia por el terror añejo.
Tal vez ahora en la era Internet un Fanzine como el Amazing no tenga mucho sentido, con toda esa información y los blogs que proliferan como ultracuerpos... a pesar de eso no nos podemos quejar, es la gente que lo adquiere los que le dan el sentido al Amazing, una verdadera legión de seres que aprecian “el objeto”, el fetichismo de lo monstruoso! Agradezco el apoyo a todos ellos.

¿Puedes avanzarnos algo de vuestro siguiente número?

Pues lo que puedo avanzarte es que no se si tendré pasta para editarlo! Jajaja!
Pero va a ser un “Especial Cosas Asquerosas” con un reportaje exhaustivo sobre “Embryoids” con fotos del rodaje y demás, una entrevista a Diana Peñalver, Un Top 13 sobre películas de la década de los ochenta con Bebés asesinos como protagonistas, Que mas?... Un articulo sobre la saga cinematográfica de “La Cosa del Pantano” de la mano de Jess Bernal, un extenso estudio sobre películas de babosas, masas viscosas, y demás cosas asquerosas... Todo eso amenizado con los comics de nuestros colaboradores habituales... pero todo ello está en un estado demasiado... EMBRYONARIO todavía!

¿Cuándo nacen los “Motorzombis”? ¿Los miembros venían de otras bandas?

Pues si, en el año 2006 nos juntamos varios miembros de “Jodienda Precoz”, “Hijos de Sam” y “Chocolatex” alrededor de un contrabajo y decidimos conformar una banda de psychobilly. Desde bien jovencito me sentí fervientemente atraído por este estilo musical que combina Punk, Rockabilly y estética con referentes al género de terror. Hace años quise formar los “Lobotomy Tom & The Chernobillys” pero no había cojones a hacerse con un contrabajo y el proyecto se convirtió en los personajes de un cómic.

¿A quien se le ocurrió el nombre? Y aparte os hacéis llamar “Banda de “Loco-billy”

El nombre de Motorzombis viene de aquel guión de largometraje que nunca podré llevar a cabo: “Attack of the Motorzombies”. Opino que nos define un poco como banda... Lo de “Locobilly” es porque cantamos mayormente en castellano y dedicamos algunos de nuestros temas a clásicos de terror españoles como “La Marca del Hombre Lobo”, “Horror Express” o “El Espanto Surge de la Tumba”. Además a los guiris les entusiasma la palabra LOCO!! Es como decir “Paella” o “Sangria”...

¿Y los apodos de cada miembro de la banda?

Jajajaja! Porque un Motorzombi que se llame Juanito Gomez no tiene credibilidad! Un motorzombi debe llamarse Dave “El Difunto”, J.R. Wherewolf, Randy Goreman, SaGhoul o Albert Karnstein!!

¿Influencias musicales? ¿Algunas bandas que consideréis imprescindibles, o vuestras favoritas?

En ese aspecto hay de todo entre los miembros de Motorzombis... A algunos nos mola más el rollo más clásico, a otros la vertiente más cercana al Horror Punk... Algunos grupos como Batmobile, Krewmen (en su época más “Power”), Nekromantix (aunque personalmente a mi no...) Reverend... el neorockabilly de Restless, o los eternos Stray Cats... Cosas más “Teddy” como Crazy Cavan... Pero lo que nos hace a Motorzombis una banda de Psycho un tanto ecléctica es que buscamos ese sonido Hard Rock porque entre nuestras influencias se encuentran grupos tales como Motorhead, Motley Crue, Wasp, Saxon...

Vuestras letras parecen toda una declaración de principios y dejan claras vuestras aficiones. Habláis de muchos clásicos, a mi me parece cojonudo!

Gracias tio, de hecho ya estamos preparando nuevos temas para el (si hay suerte) segundo disco y entre ellos hay temas dedicados a “Basket Case” de Hennenlotter, “Reanimator”, “Pesadilla en Elm Street” o “Viernes 13”!

Parece que el Psychobilly pega cada vez más fuerte. Hay mucha gente que empieza a interesarse, es habitual ver algunos punks en eventos del estilo, por ejemplo. Y el meeting de Calella parece cobrar mucha importancia. ¿Cómo veis el panorama de este estilo musical a nivel nacional?

Cada vez hay propuestas más interesantes y es bueno que la gente joven se interese por todo este rollo ya que si no fuese así, algo tan colorista y desenfrenado como el Psychobilly moriría irremediablemente con las cuatro viejas glorias de finales de los ochenta. Por otro lado hay mucha peña que se sube al tren por pura pose, es decir, escuchan a los Creepshow pero desconocen que existe una película de George A. Romero con el mismo nombre y que fue el origen de todo. Eso no vale. Al mismo tiempo opino que se está formando una escena muy entrañable en este país mezcla de Psychos, rockers de nueva hornada y Spookis de todo tipo... La nueva sangre del Rock’n Rol!!

Háblanos de vuestros próximos proyectos ¿Se llevará adelante la serie sobre Amazing Unmasked? Y creo que barajabais llevar a cabo también un largo.

El proyecto más cercano es un cortometraje en 35mm que se va a llamar “EMBRYOIDS” que tratará sobre unos fetos caníbales que invaden un hospital y se comen a las enfermeras y a todo el que se les pone a tiro. Posiblemente la protagonista será Diana Peñalver (el guión lo escribí pensando en todo momento en ella!) se lo he comentado y parece que le gusta la idea. Puede ser maravilloso! En principio rodamos en Mayo o Junio del 2009 (eso espero!)

En Febrero aparecerá un DVD con nuestros cortos editados por “Friky Films” llamado “CHAPARRA ENTERTAINMENT TRIPLE SESSION” que incluirá “Martians...”, “El Pene...” y “Amazing...” con mogollón de extras y esas cosas... mis cortos en el cortinglés!! nunca lo hubiera imaginado!

La serie de “Amazing Mask” posiblemente la empiece a rodar mientras prepare “Embryoids” pero de momento será una serie en internet. Más o menos tengo ya un pequeño equipo de rodaje y los guiones los haré con David Muñoz, director de cortos como “El Despacho” o “Subtitled” y que ahora guioniza para “Buenafuente”!.
Estamos empezando también una serie de episodios piloto en Stop Motion con Monica y en colaboración con la E.A.P. hay buenas ideas y el material es francamente interesante. “Moco s.a.” será el primero y cuando esté listo lo presentaremos al Cartoon Forum!

El tema largometraje es más peliagudo aunque quiero buscar un sistema para producir algo con infrapresupuestos desde CHAPARRA ENTERTAINMENT sin tener que contar con nadie para poner la pasta. De momento hay cuatro proyectos de este tipo en la cartera: “Ghoul” un thriller sobrenatural muy oscuro y repleto de gore, “WeelChair Murders” un alocado y sangriento “slasher”, “Brutal Trash” un largometraje inspirado en “Brutal Dogo” y otro largo con Naxo Fiol,(rey de los infrapresupuestos!) que se va a llamar “Loca Academia de Videoastas”.

Por otro lado está “ECTOPLASMA” un musical Psychobilly sobrenatural que creo que al final lo voy a escribir como cortometraje, lo mandaré a subvención y a tomar pol culo. Y por último “Attack of the Motorzombies” que seria la puta bomba pero no hay nadie en este país capaz de producirlo y posiblemente ni yo sea capaz de dirigirlo. No sé, creo que tengo trabajo para los próximos 100 años!!

Cine, fanzine, grupo musical…y también dibujas comics!!!!!
¿Hay algo que no hagas?

Aún no he vendido mi cuerpo a cambio de dinero, pero tal como está la cosa... jajaja!

Por último, si quieres añadir algo más o decirles algo a los lectores de Aullidos, este es el momento.

Queridos amigos, gracias por seguir en la Wild Side del Horror patrio, no desfallezcáis jamás y no dejéis de visitar CHAPARRAENTERTAINMENT.ES donde siempre encontrareis gratas sorpresas para necrofanáticos! Buen Destino y Long Life The Horror!!

Muchas gracias!
Gracias a vosotros, faltaría más!

La Horde / Yannick Dahan y Benjamin Rocher, 2009

Desde hace ya una cuarentena de años, concretamente desde que George A. Romero pegara el primer disparo (y menudo disparo) del cine zombie moderno con “La noche de los muertos vivientes“ (1968), los esquemas y las formas siguen siendo bastante similares y lo mejor de todo, es que siguen funcionando igual de bien. Unos personajes, todos ellos con distintas actitudes y formas de ver las cosas, encerrados en algún edificio y asediados por una legión de zombies. El grupo de supervivientes, al encontrarse en una situación límite, se verá envuelto en todo tipo de discusiones y conflictos, los cuales mostrarán algunos de los más bajos instintos del ser humano. Y lo más relevante de todo en este género, y lo que lo ha convertido en el estandarte de los aficionados al gore más extremo y el cine más brutal y directo, es que los intentos de fuga del grupo de acorralados es campo abonado para todo tipo de escabechinas y truculencias imaginables. Y esta fórmula viene siendo utilizada desde la ópera prima de Romero por todo tipo de cineastas, producciones, en todas las épocas, modas y estilos. Desde los productos más taquilleros hasta las películas más casposas del cine explotation.

Y en el producto que nos ocupa, encontramos un buen ejemplo de ello. Recordemos que nos encontramos ante una entrega más de cine brutal con denominación de origen francés. Que forma parte de la horde de filmes directos y de exquisiteces sanguinolentas que arrancaron con aquel “Alta tensión” de Alexandre Aja allá por el 2003, iniciando un estupendo ciclo que ha hecho las delicias de los espectadores tan curtidos con filmes como “A l´interieur” (2007) de unos jóvenes Alexandre Bustillo y Julien Mauri o “Martyrs” (2008) de Pascal Laugier, lamentablemente inéditas en España. Y la película que nos ofrecen Yannick Dahan y Benjamin Rocher, es ni más ni menos que esa fórmula zombie al más puro estilo de la nueva ola de gore francés. Es un puro divertimento de acción a través de un grupo de policias en busca de vanganza y otro grupo de feroces delincuentes atrapados en un viejo edificio semi-abandonado ante una invasión zombie, donde la brutalidad y escenas de violencia extrema, no solo vienen de la mano de los resucitados. Y es posible que alguna de las muestras de violencia más devastadoras venga del bando de los (supuestos) buenos. Todo ello adornado con una estética degradante y feísta, algún toque de humor negrísimo y, como no, sangre. Mucha sangre. El producto no llega a nada más que eso, y no llega ni mucho menos a las cotas de originalidad y frescura de sus filmes compatriotas antes mencionados. Es más, alguno dirá que forma parte de la recta final de esa nueva tendencia del cine de terror francés. Y es que La horde, solo es un entretenidísimo producto más de zombies. Solo apto para los amantes del cine gore y violento de pura cepa. Y si ese es el caso, se encontrará con una película de lo más entretenida. Y si el visionado se hace en grupo, mucho mejor.

Capitán Kronos: Cazador de vampiros / Captain Kronos, Vampire Hunter / Brian Clemens, UK, 1973

Las chicas de un pueblo son atacadas una a una por una extraña figura envuelta en una túnica, robándoles el alma y la vida, quedando estas convertidas en cadáveres decrépitos. Para ello recurren a la ayuda del capitán Kronos y su ayudante Hieronymous Grost, quienes confirmarán que el pueblo sufre la amenaza de una extraña variante de vampiro.
Este tenía que haber sido el primer título de una saga de varias películas producidas por la Hammer, narrando las aventuras de este héroe mata-vampiros. El acierto fue encomendarle el guión a Brian Clemens, quien ya había parido la delirante adaptación del relato de Jekyll y Hyde, siendo esta un gran éxito, en "Dr. Jekyll y su hermana Hyde". El fallo fue encomendarle también la dirección del film.
Brian Clemens se había forjado en series televisivas como "Los vengadores" y ello se deja entrever en "Kronos, cazador de vampiros", al mantener en el filme durante todo su metraje, un estilo visual totalmente televisivo, francamente molesto, la verdad. Pudiendo destacar solo algunos aciertos bastante aislados, los cuales sinceramente no salvan el film de la mediocridad, fragmentos como el ataque en la iglesia (la sombra de la cruz que se transforma en la criatura) o el asesinato en el bosque visto en el reflejo de un espejo ( si, se refleja, no se trata de un vampiro corriente).
Sólo recomendaría el film, para disfrutar de la impagable presencia de ese majestuoso monumento llamado Caroline Munro. Musa de deslumbrante belleza, icono del cine inglés de los setenta y los ochenta. Y en la película nos ofrece alguna escenita subida de tono. Pero volvamos a lo nuestro, que poca cosa más se puede decir, la verdad. Comentar quizás, el torpe intento de insertar varios géneros sin ton ni son como el de espadachines, western y demás, en las entrañables y agradables orbes Hammerianas. Por no entrar a hablar de la elección del Kronos de marras, el insustancial Horts Hanson.

La Matanza de Texas 3D

En Octubre del próximo 2012, llegará a las pantallas una nueva entrega sobre los brutales crímenes de Leatherface y su entrañable familia tejana. En esta ocasión, lo veremos en formato 3D. Según parece, será otra secuela directa de la original de Tobe Hooper y nos narrará como un grupo de amigos viaja a Texas para resolver los trámites de una herencia, pero en el transcurso de ese viaje, se toparán con Leatherface.

Fuente: http://www.aullidos.com/leer_noticias.asp?id_noticia=14222

La Torre de los Siete Jorobados (1944)

Director
Edgar Neville
Reparto
Antonio Casal, Isabel de Pomés, Guillermo Marín, Felix de Pomés, Julia Lajos.
País
España

Durante los años cuarenta el cine español vive sumido en la mas profunda precariedad, siendo el cine solo un instrumento mas del régimen franquista, en el solo se plasman aventurillas y comedias llenas de folclore (zarzuelas), adoctrinamiento nacional, católico y cine histórico, sumido todo en apología de la patria. En ese periodo de posguerra, el país vive sometido a duras medidas políticas de represión y, el cine no se libra de ello. Muchos directores permanecen en el exilio, el gobierno aplica la censura y la protección económica, siendo solo los "simpatizantes" o adscritos al régimen los únicos cineastas que pueden hacer películas.

Pero como ha ocurrido siempre, algunos tipos consiguen burlar de una u otra forma las exigencias de la industria de ese momento. Y para Edgar Neville, estas exigencias se alejaban enormemente de sus inquietudes, su estilo y sus preferencias narrativas, adquiridas en parte al haberse codeado con las estrellas de Hollywood durante su estancia como diplomático en Estados Unidos. Y Neville lleva a la pantalla en 1944 "La torre de los siete jorobados", adaptación de el best-seller de Emilio Carrere publicado en 1924, un clásico de entre la olvidada tradición del folletín semanal y colecciones de fascículos de principios del siglo XX como "La novela corta" o "Ell cuento semanal".

La película, nos acerca a ese Madrid de clima castizo ya desaparecido, de chulos, señoritos y violeteras. Resultando la película todo un sainete de corte fantástico y estética expresionista. Seguimos por ese Madrid al protagonista, un galán supersticioso enamorado de la jovenzuela de turno, acompañado de un fantasma en un entramado de conspiraciones, venganza de ultratumba, mensajes inscritos en las paredes en asirio, misteriosos jorobados y toda una secreta ciudad subterránea. El film permanece entre las dos temáticas, el fantástico y el folclore oficial de la época, acercándose lamentablemente en demasiados momentos mas a este último, compensado eso si, por algunos aciertos en la puesta en escena gótica y expresionista y la ambientación de la ciudad en la gruta subterránea, así como la acción que tiene lugar en ella en la parte final del film.

La película tuvo una exhibición pésima y fugaz, teniendo que pasar el tiempo para rescatarla del olvido y reconocer la apuesta de Neville con el fantástico, tan menospreciado en este país. Hoy en día es todo un film de culto, considerado como la primera película del fantástico patrio.

The Walking Dead 2ª Temporada

Empezada ya la emisión de la segunda temporada de la serie “The Walking Dead” en la Fox (a finales de año será emitida por La Sexta), el aluvión de críticas negativas que aparecen en diversos sitios de la red, es bastante desolador. Además de los incondicionales de la popular serie de zombies, los más críticos son los amantes del comic en el que se inspira dicha serie. Tal y como afirma Robert Kirkman, creador del comic en el que se inspira la serie: durante esta segunda temporada se desvelan algunos de los misterios más significativos de la trama, pero el adelanto de Kirkman no parece haber convencido a los primeros fans españoles que ya han visto el primer capítulo y que han coincidido en que la historia ha perdido la fuerza argumental de la primera temporada. En esta nueva entrega de episodios, los protagonistas abandonan las grandes urbes infestadas de zombies, para acercarse a la hostilidad de los entornos rurales.

Fuente: Fox España

3ª Edición del KlownsHalloween

Otro año más, el equipo de KlownsAsesinos.com en colaboración con la Societat Coral L´Espiga de Les Corts, se complace en anunciar la 3ª edición de KlownsHalloween. Os invitamos a pasar una divertida y sangrienta noche de Halloween con nosotros. Para ello, hemos preparado para el 29 de Octubre a las 20 horas, un interesante programa con tres títulos muy diferentes entre sí. Por un lado, proyectaremos la intensa y claustrofóbica cinta de Neil Marshall "The Descent". El cine asiático tendrá su presencia con la escéntrica, divertida y sangrienta "Gothic & Lolita Psycho" de Go Ohara. Y como no, nuestra particular mirada a los años '80 llegará de la mano de Dan O'Bannon con la divertida comedia zombie "El Regreso de los Muertos Vivientes". Una noche en la que también proyectaremos los últimos trabajos de dos de los directores del exitoso corto "Brutal Relax", Rafa Dengrá (Alastor) y Adrián Cardona (Metal Creepers).

La Noche de los Muertos Vivientes. George A. Romero 1968

Un grupo de realizadores de anuncios publicitarios de Pittsburg decide rodar una película de terror y para ello se inspiran en la novela de Richard Matheson "Soy leyenda". El guión titulado "Anubis" narra como la humanidad es eliminada por zombies antropófagos. Estos realizadores, tras hacer cuentas, deciden que el presupuesto les alcanza para rodar un film en blanco y negro. Judith O"Dea y Duane Jones, profesionales del teatro, amigos, una granja alquilada... Mientras, Estados Unidos participaba en el conflicto de Vietnam.

Todo un gran coctail que rompió esquemas y acabó convirtiéndose en el nacimiento del cine de terror moderno. Creando un monstruo terrorífico, atemporal, sin ningún origen especifico en leyendas, mitos o ninguna novela clásica, una mezcla del personaje haitiano con los vampiros de "The Last man on earth", dotados de un único objetivo: el de vagar por la tierra devorando a los vivos. Un monstruo que solo tiene el propósito de comer carne humana, sin prisa, esperará el tiempo que haga falta hasta que los improvisados campamentos de supervivientes se desmoronen a causa de la estupidez humana, la falta de dialogo, la falta de lealtad, cuando se vengan abajo la cultura, las jerarquías militares, la familia y todos los estamentos sociales. Los que eran nuestros semejantes, amigos, parientes, convertidos en una masa que ya no guarda ningún otro lazo con lo que fueron que el de deambular día tras día con el único fin de saciar sus "necesidades".

El film arranca directamente dentro del problema, sin darnos ninguna explicación, acabando con la vida de John y dejando a una débil Barbara a la merced de toda la acción y terrible situación planteada en la que sin duda es una de las escenas mas terroríficas jamás filmadas. Ello ayuda a que participemos mas directamente en la película, y a que se nos venga mas ameno la posterior acción del film, la cual se desarrolla en una única localización, el interior de una granja. A partir de aquí, Romero juega con un grupo de supervivientes que lucharán contra la horda de muertos que intenta penetrar en la granja. Creando un conflicto entre Ben y Cooper al debatir por la parte mas segura de la casa, haciendo que reciban noticias poco fiables desde el exterior, y desmoronando cualquier intento de fuga, hacen que esa escasez de localizaciones y el que pueda ser un guión justo, sea bien resuelto por Romero.

Las carencias cinematográficas que contiene el film, como cualquier obra amateur que se precie, quedan compensadas totalmente por el inteligente uso de la cámara y sus varios contrapicados, así como un uso de la luz que consigue momentos de una sorprendente belleza tenebrosa. El grano (casual) de la película, la utilización de desconocidos actores y el gore directo y sin sutilezas. Sin olvidar otra de las guindas de esta moderna obra maestra, el pesimismo latente durante todo el argumento (estallando en ese antológico e inolvidable final), realzan todas esas carencias convirtiéndolas en un acierto mas que dotan a la obra de ese aire a "cinema verite" del que tanto se ha hablado. Y que creó una formula para futuras obras engendradas fuera de los grandes estudios (formula que tan bien le vendría a Hooper para su matanza tejana).

PHENOMENA: SPANISH BIZARRE

CINE URGEL (BARCELONA) 21-22-23 OCTUBRE 8€ POR CADA PROGRAMA DOBLE 20€ PARA TODO EL CICLO (CON ACCESO PREFERENTE AL CINE)
VIERNES 21 DE OCTUBRE. 20 hrs	SÁBADO 22 DE OCTUBRE. 20 hrs	DOMINGO 23 DE OCTUBRE. 18 hrs
LEON KLIMOVSKY, 1970	EUGENIO MARTÍN, 1972	AMANDO DE OSSORIO, 1971
JUAN PIQUER SIMÓN, 1982	NARCISO I. SERRADOR, 1976	LADISLAO VAJDA, 1958